Uma caixa de cartão pintada, flutuando na parede, com a palavra BOUNTY escrita. Há uma espécie de cuidado metodológico na sua confeção, uma lentidão que atende a cada dobra, costura e fragmento de fita adesiva com tanta precisão que a pintura se torna quase indistinguível do objeto que replica. No entanto, o resultado não é uma ilusão no sentido tradicional, não é um truque dos olhos ou um desejo de enganar, mas algo mais próximo do restauro, como se a caixa tivesse sido devolvida a si mesma através do ato de imitação. Nada parece ter mudado, mas tudo passou pela insistência silenciosa de ser refeito à mão.
A parte de baixo da caixa é deixada sem pintura, uma perturbação menor, mas deliberada, dentro de um exercício meticuloso. Deixa para trás uma espécie de prova ou talvez uma sombra, uma admissão do artifício da pintura que se recusa a ser escondida. É um momento de exposição, como o pescoço de uma boneca barroca, onde a imagem começa a dar lugar à estrutura que a sustenta. O que inicialmente parece ser um simples ato de repetição revela lentamente um limite. Isto introduz algo de arquivístico, uma textura semelhante ao design de moda da década de 1980, que muitas vezes produz trabalhos que eram simultaneamente autoconscientes e silenciosamente resistentes à lógica do seu próprio sistema. Margiela, para mencionar o exemplo mais óbvio, utilizava frequentemente peças vintage ou encontradas, desconstruindo-as e reconstruindo-as para reavaliar o propósito e a construção do vestuário.
Um eco distante desse jogo ambivalente com a superficialidade das aparências, o desejo de criar uma imagem tão idealizada e distanciada que se torna um espelho da sua própria planicidade. Mas aqui, o gesto parece mais cuidadoso, menos performativo. A imagem idealizada não é celebrada nem subestimada, mas mantida gentilmente no lugar. É repetida, não para apagar a original, mas para tocá-la.
No chão, nas proximidades, uma pequena tela improvisada foi feita a partir de uma tomada elétrica virada para cima, reaproveitada para captar o brilho suave de uma projeção de vídeo. O que é exibido é uma sequência de anéis de fumo soprados, cada um surgindo à vista, expandindo-se momentaneamente e depois desaparecendo no ar, apenas para retornar novamente no mesmo ritmo suave e contínuo. A fonte do fumo, a boca, a respiração, o corpo, foram totalmente removidos do quadro. O que resta é a imagem residual, uma impressão de presença deixada para trás, flutuando por um momento antes de se dissolver novamente no nada.
O fundo revela os contornos de um estúdio, o som e a luz do dia a mudar nas superfícies, objetos silenciosamente reposicionados, o tempo a avançar nas margens. O fumo move-se em círculos e o tempo move-se à sua volta, não numa narrativa, mas em acumulação. Torna-se incerto se a peça está a capturar o tempo ou simplesmente a marcá-lo, um ato de passar e ser ultrapassado.
Tal como os anéis de fumo, o contorno da vedação de um estaleiro de construção na parede oposta não é bem físico, talvez apenas à margem. A linha não é declarada nem discutida. Ela hesita. Não aponta tanto para uma estrutura, mas sim para a sua ausência, para o seu fantasma. Qualquer divisão que ela outrora significava suavizou-se, e o que resta agora parece menos uma afirmação do que um resíduo. O resíduo de quê, exatamente, pergunto-me. Da própria cerca metálica, ou da violência latente e da ordem que ela pretendia impor, ou talvez da forma geométrica e do ritmo que ela imprime na parede . Por um momento, lembra algo mais próximo da op-art, perturbando o olho, fazendo-me tropeçar ligeiramente e, nesse instante, tirando-me do octógono art déco sem janelas que acolhe a exposição, interrompendo o feitiço do espaço e lembrando-me do meu ato de olhar em primeiro lugar.
Numa das outras salas, uma das quatro da galeria, há dois desenhos a lápis que retratam os contornos de vasos de flores. As formas são simples, quase diagramáticas, e emergem de um processo característico de projetar luz sobre um objeto e traçar as sombras que ele projeta. Estes desenhos não estilizam nem elaboram o tema. Eles seguem a luz e permitem que a luz determine o que aparece. Em alguns, os vasos assumem a semelhança de árvores ou silhuetas abstratas, mas a obra resiste à metáfora. Ela permanece fiel ao seu procedimento: luz, sombra, contorno.
Estes desenhos de vasos não procuram fixar o objeto, nem reduzi-lo a uma imagem pura. Em vez disso, registam uma transformação: o que era sólido torna-se espectral, o que era objeto torna-se traço. O que resta não é uma representação, mas um intervalo silencioso entre a coisa e a sua projeção, uma imagem que remete não apenas para o que foi visto, mas para as condições e a duração do facto de ter sido visto.
Em cada uma das quatro galerias há uma linha de molduras vermelhas de tamanho médio, centradas, como se girassem rápido o suficiente para formar um círculo. As fotografias emolduradas retratam uma jovem crescendo e o seu quatidiano. Parecem ter sido tiradas ao longo de vários anos, sem nenhum plano, a não ser o constante acumular de atenção e olhar.
O que importa não é uma decisão tomada por urgência, mas por hábito. O seu significado não reside numa única imagem, mas no intervalo que elas descrevem em conjunto. Se isto pode ser considerado um trabalho, não é por ter sido feito, mas porque não parou. Outra forma silenciosa de persistência.
Essa mesma persistência move-se pela exposição. Não como repetição, mas como retorno. Todas as obras permanecem próximas dos seus materiais, dos seus gestos, dos seus limites. Como pedras num campo inexplicável, sem insistir em nada, simplesmente parte do terreno.
Daan van Golden, Fiona Connor, Gianna Surangkanjanajai, Laurent Dupont, Lourdes Castro
Daan van Golden (n. 1936, Roterdão – f. 2017, Schiedam)
Foi um artista neerlandês cuja obra é difícil de caracterizar. Mistura elementos do minimalismo e da arte conceptual com o quotidiano. A sua carreira, que se estendeu por várias décadas, foi marcada pela exploração da apropriação, repetição e transformação. Inicialmente reconhecido pelas suas recriações meticulosas de padrões de tecidos e designs comerciais, van Golden mudou-se para Tóquio em 1963, onde as suas pinturas começaram a incorporar influências da cultura japonesa e da vida quotidiana. A sua obra caracteriza-se por um diálogo contínuo entre imagem, tempo e contexto, revisitando frequentemente os mesmos motivos e formas. A arte de van Golden centra-se mais no processo do que na ideia final.
O seu trabalho encontra-se representado em várias coleções. Entre elas, destacam-se o Art Institute of Chicago, o Stedelijk Museum em Amesterdão e o Museum Boijmans Van Beuningen em Roterdão, entre outras.
+ Continuar a LerFiona Connor (n. 1981, Auckland)
É uma artista neozelandesa que vive e trabalha em Los Angeles. A sua obra investiga a interseção entre o espaço público, a arquitetura e a memória. Conhecida pelas suas instalações site-specific e réplicas meticulosas de objetos quotidianos, Connor explora temas como a repetição, a identidade e a passagem do tempo. O seu trabalho envolve frequentemente os contextos sociais e históricos dos espaços onde atua, esbatendo a fronteira entre o real e a reprodução. Através de reconstruções detalhadas de elementos arquitetónicos e objetos, a arte de Connor transforma o familiar em algo inesperado, convidando o público a repensar a sua relação com o ambiente construído.
O seu trabalho encontra-se representado em várias coleções. Entre elas destacam-se o Museum of Contemporary Art em Los Angeles, o Te Papa Tongarewa em Wellington e a Auckland Art Gallery, entre outras.
Gianna Surangkanjanajai (n. 1991, Colónia)
É uma artista alemã que vive e trabalha em Nova Iorque. Entre as suas exposições individuais recentes destacam-se mostras na le vite, Milão (2024); Peter Mertes Stipendium, Bonner Kunstverein, Bona (2023); Alma Sarif, Bruxelas (2022); e MARQUISE, Lisboa (2020).
As suas exposições coletivas recentes incluem Hard Ground, MoMa PS1, Nova Iorque (2024); le vite, Milão (2024); No Cookies. No Cake, UA26, Viena (2024); OTHERWHEN, Croy Nielsen, Viena (2024); In the Shadows of Tall Necessities, Bonner Kunstverein, Bona (2022); e Manhattan, Claude Balls Int., Nova Iorque (2022).
Laurent Dupont (n. 1976, Liège)
É um artista que vive e trabalha em Bruxelas. As suas obras foram apresentadas em diversas exposições individuais, incluindo Sleepworld - Gauli Zitter, Bruxelas (2023); S'il vous plaît! - Plymouth Rock, Zurique (2023); The Creature - Kunstverein Nürnberg (2021); A Cover up - Braunsfelder, Colónia (duo com Lisa Jo, 2020); Veranda - Gaudel de Stampa, Paris (duo com Michael Van Den Abeele, 2019); Paintings - SVIT Gallery, Praga / Cukrovarnická 39, Praga - Galerie Meyer Kainer, Viena (ambas duos com Lucy McKenzie, 2015-2016); e Objets aus Wien - Galerie Nächst St. Stephan, Viena (2014).
Participou também em várias exposições coletivas, inclusive no Museum Dhondt-Dhaenens (2024); Simian, Copenhaga (2024); dépendance gallery na CFA Milão (2024); Nousmoules / L'étoile endettée (2020); Galerie Bernhard, Zurique (2019); Etablissement d'En Face, Bruxelas (2018); CAC Vilnius (2015); e WIELS, Bruxelas (2013). Entre as coleções públicas que incluem o seu trabalho destaca-se o KANAL–Centre Pompidou, Bruxelas.
Lourdes Castro (n. 1930, Funchal – f. 2022, Funchal)
Foi uma artista portuguesa conhecida pelas suas explorações em torno da luz, sombra e forma. Figura central no desenvolvimento da arte moderna em Portugal, a obra de Castro abrange diversos suportes, incluindo pintura, escultura e instalação. É especialmente conhecida pelo uso de silhuetas e pela interação entre luz e sombra. A sua arte explora a relação entre o tangível e o intangível através de composições minimalistas, mas profundamente impactantes.
O seu trabalho encontra-se representado em várias coleções. Entre elas, destacam-se o Victoria and Albert Museum (Londres); Museum of Modern Art (Havana); Museum of Contemporary Art (Belgrado); Museu Nacional de Varsóvia, Museu Nacional de Wrocław e Łódź; Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa); e a Fundação de Serralves (Porto).
- ResumirFICHA TÉCNICA
EXPOSIÇÃO
ARTISTAS
Daan van Golden, Fiona Connor, Gianna Surangkanjanajai, Laurent Dupont, Lourdes Castro
CURADORIA
MARQUISE
PRODUÇÃO
Susana Sameiro, Sílvia Gomes, Denise Cunha Silva
MONTAGEM
Miguel Marques, Renato Ferrão, Rui Azevedo
MICROSITE
TEXTO
Gianna Surangkanjanajai
FOTOGRAFIA
Carolina Ribeiro
EDIÇÃO
Carolina Luz
REVISÃO DE CONTEÚDOS
Helena César
DESIGN & WEBSITE
Studio Maria João Macedo & Queo